Ritmo y Percusión


		La darbuka es un tambor procedente del mundo árabe, muy utilizado tanto en el folclore como en la música clásica propia de estos países.
El origen de la darbuka se remonta a la antigua Babilonia. Su forma es similar a la de un reloj de arena y consta de una parte cilíndrica hecha de cerámica o metal y un parche de plástico o de piel. Hay tres formas básicas de darbuka:


La turca	La egipcia	La marroquí

El parche es de piel (o de plástico, en las variantes modernas) y cubre el lado más amplio.

		Se toca sentado, y sujetando el instrumento apoyado entre la cadera y el brazo Se puede encontrar fabricada en arcilla o metal. Sobre todo en los países de habla inglesa, la darbuka recibe a menudo el nombre de dumbek (o tombak).
Este nombre se deriva de los dos sonidos principales que forman la base de su técnica: un sonido grave (dum), y otro agudo (bek)
En Egipto se le llama tabla, que es una palabra genérica para designar instrumentos de percusión en árabe.El uso de la darbuka se extiende desde Medio Oriente hasta el Norte de África, y se dá no sólo dentro del mundo árabe, sino también en otras culturas, como la Berebér en Maruecos y Argelia, en Turquía o en las músicas griegas y balcánicas.
En la darbuka hay tres golpes básicos que son, el grave (designado con la sílaba onomatopéyica dum) el agudo, también llamado tak y el slap que es un golpe tapado también llamado galleta. Esos son los golpes básicos, pues hay gran cantidad de toques y efectos con las manos y los dedos que aportan a la darbuka una gran riqueza sonora. La darbuka, requiere un gran desarrollo de la técnica de dedos pues se repiquetea y adorna mucho el toque. Aunque la darbuka es el instrumento de percusión más popular, en los ensambles de música árabe suele ir acompañada de otros instrumentos de percusión como son el rik, el bendir, o el daf.

		Estos instrumentos poseen distintos registros sonoros, enriqueciendo y portando agudos en el caso del riq y graves en el del bendir.

		El Riq Es una pandereta con el parche de piel o plástico. Posée sonajas al rededor del mismo y se toca combinando el sonido de las sonajas con el del parche.

		El bendir es un pandero con parche de piel o plástico que posee además dos cuerdas por la parte de atrás ,las cuales vibran al percutir sobre el parche.

		El daf es un pandero con sonajas .Es Parecido al bendir pero sin cuerdas en la parte posterior y con sonajas alrededor del parche.

En la actualidad hay grandes artistas de la darbuka como son:


Zohar Fresco	Glen Vélez	Ossam Ramzy


Missirily Ahmed	Susu Pampanin

Historia de la Batería

Virginia — Mon, 12 Feb 2007 17:39:38 +0000

La Batería nace a principios del S. XX. Los principales elementos que la componen (bombo, caja, platos,…) existían ya en las orquestas clásicas y las fanfarrias militares. La aparición de la batería está directamente relacionada con la aparición del Jazz, aunque con las diferencias tecnológicas que existían a principios de siglo.

Hacia el 1910 en Estados Unidos las orquesta tocaban con 3 y 4 percusionistas (uno para la caja, otro para el bombo y los demás para los diferentes elementos como platos, cajas chinas, etc.) o solamente dos si se tocaban fanfarrias. La invención del pie de caja y sobre todo del pie de bombo (comercializado en 1910 por Ludwig) permite ensamblar los diferentes elementos para que sean tocados por menos instrumentistas. La llegada del Ragtime y la necesidad de músicos para las salas de baile, termina de hacer necesario el ensamblaje de la batería, donde un solo instrumentista tocaba todos los elementos anteriormente mencionados.

En esta época, el papel de la batería era el de seguir y mantener el ritmo de fanfarria, pero con un estilo musical muy similar al de las marchas militares, los baterías utilizaban los rudimentos del tambor clásico pero con un fraseo diferente, directamente inspirado en las orquestas de paradas (redobles menos rígidos, sincopas y acentuaciones solo en el primer tiempo.

Los años 20
En aquel entonces, la música de Jazz se hacía para bailar. Le batería tenía la sola misión de mantener el ritmo y marcar los tiempos fuertes en el bombo, que aún era grande y pesado (que a menudo era reemplazado por el base). Resulta curioso observar que aún no se utilizaba el Plato Ride para hacer caminar el ritmo.

Al final de los años 20, el único medio que un batería tenía para llamar la atención era el de efectuar algún que otro pequeño sólo en la entrada de la canción, o bien, en algún que otro momento efectuar una subida de volumen. Felizmente durante esos años aparecen los primeros virtuosos de nuestro instrumento como es el caso de “Baby Dodds” (Este es el primer batería que hace solos en las canciones quizás debido a su virtuosismo), o “Zutty Singleton” (que fue el primer batería que se preocupó de la utilización de los distintos colores sonoros de la batería).
De los 30 a los 50
Los años 30 ven resurgir una especial demanda de música para bailar. Los clubes de baile proliferan por doquier y de esta manera aparecen numerosas orquestas de baile y una gran cantidad de Big-Bands, así como numerosos grupos de Jazz, y otros tipos de música que florecían en estos años.

En 1937, el Baterista Gene Krupa, integrante de la banda de Benny Goodman hace evolucionar la imagen del batería que se convierte en verdadero solista de las orquestas, llegando incluso a liderar sus propias formaciones. Igualmente, el “set” de Gene Krupa se convierte en la batería estándar para todos los músicos de jazz.
Muchos y distintos baterías marcan este periodo. “Sydney Catlet” es uno de los primeros en anunciar la transición hacía la batería con un Swing inmejorable, una técnica depuradísima y una versatilidad magnifica para la ejecución de solos. Le seguirá “Papa” Jo Jones que “desmilitariza” la batería y le aporta musicalidad y melodía así como una interrelación con el solista. Cabe mencionar a Kenny Clarke, ya que el primero en suprimir del bombo la necesidad de tocar los 4 tiempos fuertes y además introduce la sincopa, haciendo así de su estilo una pieza fundamental de la evolución de la música de Jazz. (Siempre se destaca de él su virtuosismo con las escobillas).

Los años 50 y 60
La aparición del Rock’n'roll asociado al desarrollo de la tecnología (discos, TV…) y el “show business” ponen a los instrumentistas en primer lugar de la sociedad. El boom de grupos como los Beatles, Roling Stone, etc, popularizan aún mas el instrumento entre las generaciones más jóvenes.
Para hacer frente a la cantidad de grabaciones que se efectúan en estos momentos aparece, por primera vez una figura que no se conocía hasta entonces, el Batería de estudio e igualmente, los años 60 ven la aparición de las primeras estrellas de la batería de Rock como Keith Moon (The Who) y sobre todo John Bonham (Led Zeppelin).

Aunque aún se puede ver la influencia del Jazz en todos los baterías del momento, poco a poco cada estilo va desarrollando su propio sonido y sus propias características apareciendo casi inesperadamente una serie de baterías que desarrollan por completo y llevan hasta el límite la técnica de ejecución de la Batería, entre ellos destaca sin dudad alguna Buddy Rich que además de el técnico mas grande que ha dado la batería se convertiría con los años en un verdadero showman. Elvin Jones y Tony Williams, son dos de los más representativos de este periodo, una verdadera joya en la evolución de este instrumento.

De los 70 a la actualidad
Muchos y grandes baterías marcan el comienzo de este periodo, aparece el estilo “Jazz Rock Fusión” revelando una nueva raza de baterías absolutamente virtuosos, como los Vinnie Colaiuta, Dave Weckl y Dennis Chambers de hoy en día, estos son Jack Dejohnette (Gran improvisador y con una independencia asombrosa), Billy Cobham (Quizás el más técnico de todos los baterías), Steve Gadd (Gran dominador de todos los estilos musicales).
Otros grandes nombres de la historia de la batería,son Chick Web, Max Roach, Philly Jo Jones, Art Blakey, Roy Haynes, Bernard Purdie, Harvey Mason, David Garibaldi, Steward Copeland, y otros grandes virtuosos que seguro que se me olvidan.

Traducción libre del texto perteneciente a: http://home.worldnet.fr/~pasmat/allonz/accueil.html

Clases

Éstas clases son particulares, y comprenden clases de lenguaje musical, lectura, independencia ,coordinación y desarrollo de distintos estilos (rock, pop, funk, blues, swing etc).

Bateristas. Algunos de los mejores (no todos)

Al Foster

Art Blakey

Bill Stewart

Blakey

Cindy Blackman

Elvin

Jack De Johnette

Stewart Coppeland

Terrilynne Carrington

Historia del Cajón

Virginia — Mon, 12 Feb 2007 17:37:20 +0000

El cajón es un instrumento de procedencia peruana que actualmente es muy utilizado en el flamenco.
Por lo general se presenta como un paralelepípedo de unos cincuenta centímetros de altura y treinta de ancho y de profundo.
La parte anterior y posterior son distintas de los lados: la anterior es más fina que las otras, y es la que se toca, mientras que la trasera tiene un agujero de al menos diez centímetros de diámetro para la salida del sonido.

El Cajón es el instrumento símbolo de la comunidad negra peruana.
Así como muchas otras percusiones de latinoamérica, representa un substituto de los tambores africanos, que fueron prohibidos a los esclavos llevados al “Nuevo Mundo”.
Parece ser que los primeros Cajones fueron envases de madera para la recogida de la fruta. En Cuba, donde también se halla el Cajón, se toca en algunos estilos de rumba.
Algunos cajoneros, o cajoneadores como se les llama en Perú, son muy famosos, como Julio “Chocolate” Algendones, Juan “Cotito” Medrano, Eusebio “Pititi” Sirio y Caitro Soto.
Parece ser que fue Caitro Soto quien entregó materialmente los primeros dos cajones al innovador de la música flamenca Paco De Lucía.

Desde este momento se introduce en el flamenco el uso de este instrumento. El primer cajón fue utilizado por el conjunto de Paco de mano del percusionista brasileiro Rubem Dantas.

Más adelante se generaliza su uso y comienzan a construirse cajones flamencos, tomando básicamente la forma del peruano, pero con algunas diferencias sustanciales.

La característica que más diferencia un modelo de otro es el sistema de bordón. En el cajón Flamenco, el sonido se enriquece poniendo objetos metálicos en el interior, apoyados o rozando la tapa.
Bordones de tambor, cuerdas de guitarra, cascabeles y objetos parecidos sirven para ese fin.
En Perú y en Cuba no se ponen y el sonido resulta mas seco. Con el bordón puesto, en cambio, resulta un sonido más parecido al de una caja de batería.
La fusión entre la guitarra flamenca y el cajón fue un éxito inmediato, y desde entonces han salido al escenario verdaderos especialistas, como Manolo Soler, Tino Di Geraldo, Ramón Porrina, Antonio Carmona, Piraña, Luki Losada, Chaboli, Bandolero o Antonio Coronel.
Manolo Soler

Tino Di Geraldo

Lucky Losada
Agradecimiento y mención a las webs que han inspirado a ésta y de las que he tomado prestados textos y fotografías
www.monografías.com El cajon es del perú.
www.cajóndegregorio.com. Historia del cajón.